Ce projet, porté par une collaboration entre MARCI PRESTATION, JAH FOUL RECORD et Optimiste Produktions, a pour ambition de mettre en lumière les pionniers du hip-hop local. En valorisant le parcours des artistes et des acteurs ayant contribué à l’essor de ce mouvement musical, les organisateurs souhaitent offrir au public une opportunité de renouer avec les sonorités qui ont façonné l’identité urbaine du pays.

Un soutien entrepreneurial pour la culture

À quelques jours du lancement, l’organisation a officialisé le nom du parrain de cette édition inaugurale : Bakary Diaby, PDG du groupe SOGUIBEC. Ce choix souligne, selon les promoteurs, une volonté de tisser des liens entre le monde de l’entreprise et la préservation du patrimoine culturel.

Dans une déclaration relayée sur leurs réseaux sociaux, les organisateurs ont salué l’implication du chef d’entreprise : « En acceptant de parrainer “Quand les légendes inspirent la nation”, M. Diaby prouve que l’entrepreneuriat guinéen a un cœur, une mémoire et un profond respect pour sa culture. »

Deux temps forts à Conakry

Le programme de cette première édition s’articule autour de deux rendez-vous majeurs destinés à rassembler les passionnés de musique :

• Le 30 octobre : Un gala VIP se tiendra au Mariador Palace, dès 20 heures, pour une soirée dédiée aux figures emblématiques du hip-hop.
• Le 31 octobre : Un concert géant est prévu au Palais du Peuple, à partir de 14 heures, afin de célébrer l’héritage musical de l’ancienne école.

Cet événement se présente comme une plateforme de transmission, invitant les générations actuelles à redécouvrir les racines du hip-hop guinéen tout en rendant hommage à ceux qui en ont bâti les fondations.

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Pour cette personnalité influente des médias, cette visite marque une étape symbolique. Bien qu’il entretienne des échanges réguliers avec le promoteur du festival depuis sa création, c’est la première fois qu’il assiste personnellement aux festivités. Une présence qui, selon lui, confirme la montée en puissance de l’événement : « Ce que je vois déjà augure de très bonnes choses », a-t-il confié à notre rédaction.

Une programmation ambitieuse

L’enthousiasme d’Ozone AfrikBamba repose en grande partie sur la qualité de la programmation annoncée. Le journaliste a souligné le choix des têtes d’affiche qui porteront cette édition, citant notamment Miss Kalakala, Thiird, Vicky R et La Fouine. Pour lui, la qualité de ces artistes garantit un succès retentissant pour cette 8ᵉ édition, qu’il qualifie d’ores et déjà de « très lourd ».

La Guinée, épicentre du hip-hop africain

Au-delà du festival, cette rencontre a été l’occasion pour l’animateur de réitérer son admiration pour la vitalité artistique de la Guinée. Connu pour son engagement constant en faveur des musiques urbaines, il a dressé un portrait élogieux de la scène locale, qu’il suit de près à travers ses interventions médiatiques et ses réseaux sociaux.

Ozone AfrikBamba n’a pas hésité à placer la Guinée au sommet de la hiérarchie musicale continentale, en utilisant des références fortes : « La Guinée, c’est la terre du rap, la terre du dancehall. Comme on dit, c’est le Kingston de l’Afrique pour le dancehall et le Brooklyn pour le rap. »

Par cette prise de position, le journaliste confirme son soutien indéfectible aux créateurs guinéens. Le Festival Lassiry Hip-hop s’affirme ainsi comme un rendez-vous incontournable, fédérant les acteurs et les passionnés autour d’une culture urbaine en pleine effervescence.

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Une ambition internationale et professionnelle

Le lancement officiel, tenu le 16 octobre 2026 au Centre culturel franco-guinéen, a permis à Mbaye Aissatou Fall, initiateur du festival, de dévoiler une vision centrée sur la structuration de l’industrie culturelle. En collaboration avec La Place de France, cette édition vise à intensifier la mobilité des artistes et à bâtir des passerelles durables entre les professionnels guinéens et français.

L’une des innovations majeures est le « Lassiry Business Tour ». Ce programme cible les milieux universitaires parisiens pour sensibiliser les jeunes diplômés aux opportunités économiques des cultures urbaines. L’objectif est clair : encourager une collaboration étroite entre les artistes et des profils techniques, juridiques ou commerciaux. Selon Mbaye Aissatou Fall, cette structuration est indispensable pour transformer l’artiste en une marque pérenne et compétitive.

Concert au Petit-Sory et collaborations artistiques

Le volet guinéen sera marqué par un grand concert au stade Petit-Sory de Nongo, où les organisateurs attendent 10 000 spectateurs. Cette soirée verra la participation du rappeur français La Fouine en tant que tête d’affiche. Au-delà de cette présence, le festival favorise la création commune à travers quatre collaborations « B2B » entre artistes guinéens et français, aboutissant à une œuvre collective structurée pour garantir les droits d’auteur des participants.

Appel à la diaspora

Le festival ouvre également ses portes aux artistes guinéens résidant en France. Six d’entre eux seront sélectionnés via une plateforme d’inscription en ligne pour se produire à Paris. Cette opportunité est pensée comme un véritable tremplin, permettant à ces talents de rencontrer des producteurs, des manageurs et des tourneurs dans un cadre professionnel.

En mettant à l’honneur le rap, le graffiti, le DJing et la danse, le festival Lassiry Hip-Hop réaffirme sa volonté de faire rayonner la culture urbaine guinéenne. Pour Mbaye Aissatou Fall, la passion artistique demeure le moteur principal pour surmonter les défis logistiques et faire circuler les idées au-delà des frontières.

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Depuis son premier album Mélo (2022), devenu disque de diamant, Tiakola s’est imposé comme l’une des figures de proue du rap mélodique francophone. Ses collaborations avec Niska, MHD, Gazo ou Dadju lui ont forgé une voix immédiatement reconnaissable, capable de naviguer entre rap et chant avec fluidité. Ce succès lui a valu de remplir deux fois l’Accor Arena à Paris et de créer son propre label, M3lo World.

WpointM consolide cette trajectoire en l’interrogeant. William Mundala est né le 4 décembre 1999 à Bondy, dernier d’une fratrie de huit enfants. Il grandit à La Courneuve, baigné dans une palette sonore éclectique : gospel congolais, rumba, musiques ivoiriennes, rap français et r&n’b américain côtoyaient la musique d’église où il a commencé. Cette diversité devient le terreau de son univers artistique.

Sur WpointM, Tiakola entreprend de tracer cette généalogie musicale et familiale. Le nouvel album fusionne rap, r&n’b, afrobeats, coupé-décalé et rumba congolaise, mais sans rechercher la polyvalence pour elle-même. Chaque genre raconte une strate de son identité. « Savage » proclame le « 93 dans le sang » et rejette l’idée que le succès effacerait le quartier d’origine. « AF1 NOUVO » endosse une posture politique explicite. « Mélo Décalé », déjà certifié single d’or, rend hommage au coupé-décalé tout en critiquant les plateformes numériques : Tiakola y réclame la monétisation équitable des clips des artistes afro-francophones sur YouTube.

Le Congo occupe une place centrale. Le clip de « Caméléon » a été tourné en République démocratique du Congo. La chanson evoque le retour du fils de la diaspora au pays après la célébrité, utilisant ce terme symbolique pour désigner l’apprentissage des passages entre plusieurs mondes. Le groupe mythique de Kinshasa Zaïko Langa Langa participe à « La vie d’un homme », mariant guitares traditionnelles et hip-hop. Papa Wemba, les sapeurs et l’univers congolais structurent le récit.

L’album s’entoure d’une constellation d’invités qui prolongent cette logique de circulation entre générations et scènes. La superstar nigériane Rema figure sur « Best ». Jorja Smith apparaît sur « Jet Lag ». Theodora chante « La Nocturne ». Bné, ancien compagnon du collectif 4Keus où Tiakola a débuté en 2015, retrouve le rappeur sur le disque. Le casting reflète une philosophie : fédérer plutôt que dominer seul.

La pièce maîtresse reste le titre éponyme « WpointM ». Sur un accompagnement piano-voix, le rappeur Niro raconte à la première personne l’intégralité du parcours de William Mundala, comme si Tiakola avait besoin d’une autre voix pour dire ce qu’il ne parvient pas toujours à formuler lui-même. Le morceau synthétise le projet : France, 93, Congo, famille, artistes accompagnés et rêves de construction collective.

Avant la sortie de l’album, Tiakola a publié WpointM – 93120, un EP de six titres pensé comme préface au disque, assorti de six clips réunis dans une même vidéo. Il a également organisé des listening parties secrètes sur les parkings de plusieurs villes françaises, transformant la découverte musicale en événement collectif. Cette approche prolonge la logique de son précédent projet BDLM Vol. 1 (2024), mixtape collective ouverte à des artistes émergents.

Avec WpointM, le « Prince de la mélo » reste fidèle à sa capacité d’adaptation stylistische, mais regarde désormais davantage en arrière. Le succès n’efface pas l’histoire ; il l’invite à être réexaminée et partagée.

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Un freestyle pour chauffer l’audience

Les deux artistes ont choisi de publier leur nouveau morceau sur leur chaîne YouTube, plateforme devenue centrale pour les créateurs musicaux africains en quête de visibilité directe. Sur une production énergique et bien structurée, Tyler Bld et Fianso enchaînent les couplets avec assurance, démontrant une maîtrise technique et une chimie artistique solide. Le format du freestyle — plus spontané et direct que les titres produits en studio — permet aux rappeurs de se montrer sous un jour plus brut, plus immédiat.

Cette approche s’inscrit dans une tendance observable sur le continent : les artistes africains utilisent désormais les réseaux et les plateformes de streaming non seulement pour distribuer leur musique, mais aussi pour créer du lien avec leur communauté et générer de l’anticipation autour de projets plus ambitieux. Le freestyle joue le rôle de teaser, d’une sorte de « coup de sonde » pour tester la réceptivité du public avant le lancement officiel.

Gollè Modjè : une mixtape porteuse d’enjeux

La mixtape « Gollè Modjè » arrive dans un contexte où la scène hip-hop guinéenne gagne en visibilité continentale. Conakry et ses alentours ont produit, ces dernières années, des artistes capables de peser dans les débats musicaux ouest-africains. Tyler Bld et Fianso font partie de cette nouvelle génération qui refuse de rester à l’ombre des productions étrangères et qui entend imposer un regard, une authenticité, un style proprement guinéen.

Une mixtape, rappelons-le, est un projet moins formel qu’un album mais plus substantiel qu’une série de singles isolés. C’est un espace d’expérimentation où les artistes testent des collaborations, explorent des sonorités, racontent des histoires sans les contraintes commerciales d’une sortie « officielle ». Pour Tyler Bld et Fianso, c’est une opportunité de consolider leur présence et d’affirmer leur identité musicale auprès d’un public de plus en plus connecté.

La stratégie de promotion : building progressif

En dévoilant ce freestyle avant la sortie de la mixtape, le duo adopte une stratégie de montée en charge. Plutôt que de lâcher le projet d’un coup, ils créent une dynamique, un parcours initiatique pour leur audience. Chaque freestyle, chaque teaser, chaque annonce est une étape qui construit l’événement. Cette patience et cette intelligence marketing sont typiques des artistes qui comprennent la nécessité de maîtriser leur narration dans un environnement saturé.

Pour les créateurs musicaux africains, particulièrement en Guinée, cette maîtrise de la promotion est cruciale. Les budgets limités, l’accès inégal aux médias traditionnels et la concurrence des contenus étrangers exigent une créativité stratégique. YouTube, TikTok, Instagram et les autres plateformes sociales deviennent les studios et les salles de concert d’une génération d’artistes qui construisent leur carrière directement avec leur public.

Enjeux et perspectives

Le succès d’une mixtape comme « Gollè Modjè » dépendra de plusieurs facteurs : la qualité du contenu, bien sûr, mais aussi la cohérence de l’univers musical proposé, la capacité à fédérer une communauté au-delà des frontières guinéennes, et l’aptitude du duo à transformer cette visibilité en opportunités concrètes (concerts, collaborations, contrats).

Tyler Bld et Fianso incarnent une Afrique de l’Ouest musicale qui bouge, qui crée, qui innove. Chaque freestyle, chaque mixtape, chaque démarche artistique est un acte d’affirmation culturelle — celui de dire : nous sommes ici, nous avons des choses à dire, écoutez-nous. C’est cela qui fait avancer la scène.

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Le top 5 qui fait parler

En acceptant de classer les cinq meilleurs rappeurs ivoiriens, Dopelym s’expose intentionnellement aux critiques. Himra trône au sommet. Derrière lui, la composition du reste du classement — incluant notamment OG Mahilet en cinquième position et Lamoula en quatrième — crée l’espace de débat que recherchent les médias et les fans : qui mérite vraiment quelle place ?

Ces classements personnels, que les artistes dévoilent rarement avec autant de clarté, servent une fonction précise. Ils hiérarchisent le talent perçu, consolident des reputations établies et, parfois, en questionnent d’autres. Pour Dopelym, c’est aussi une occasion de se positionner dans l’écosystème : qui vote pour qui dit quelque chose sur sa propre légitimité.

Le rap ivoirien à l’épreuve de sa maturité

La Côte d’Ivoire possède l’une des scènes rap les plus denses d’Afrique de l’Ouest. Le genre y a pris racine dans les années 2000, s’est construit sur des rivalités créatives et des innovations locales, et génère aujourd’hui une économie d’événements, de streaming et de collaborations régionales. Que les artistes se classent publiquement entre eux témoigne de la maturité du secteur : assez solide pour absorber les débats sans s’effondrer, assez compétitif pour que chacun défende sa vision.

Cependant, ces hiérarchies restent subjectives. Un classement refléte une sensibilité personnelle, une préférence pour telle technique, tel flow, tel engagement social — rarement un consensus mesurable. C’est pourquoi la réaction du public et des autres artistes compte autant que le classement lui-même.

Un enjeu économique caché

Pour les entrepreneurs des industries créatives en Afrique, ces classements ne sont jamais anodins. Ils influencent les décisions de programmation (qui appeler pour un festival ?), les partenariats de marques (qui sponsoriser ?), et l’allocation des ressources médiatiques (sur qui investir en couverture ?). Une place de choix dans le top 5 d’un pair reconnu peut ouvrir des portes — ou en fermer d’autres.

Le rap ivoirien, comme le rap du Sénégal, du Mali ou du Cameroun, ne génère pas seulement de la musique : il produit une légitimité culturelle et économique. Les artistes bien classés accèdent plus facilement à des contrats de tournée, des accords avec des labels ou des investisseurs culturels. Dopelym le sait. Son geste n’est pas innocent.

Au-delà de la Côte d’Ivoire

Ces débats de hiérarchie artistique parcourent tous les pays d’Afrique de l’Ouest. En Guinée, les rappeurs connaissent des dynamiques similaires — un secteur en croissance, des artistes compétents, mais une visibilité médiatique et internationale souvent bridée par manque de structures industrielles. Observer comment la Côte d’Ivoire organise ses débats internes offre des leçons : créer des espaces de confrontation artistique renforce la scène, enrichit la conversation publique, et finalement, exporte mieux le talent vers l’extérieur.

Le classement de Dopelym aura probablement une courte durée de vie médiatique. Mais il cristallise un moment : celui où le rap ivoirien a assez de poids pour que ses propres jugements comptent. C’est déjà une victoire pour l’industrie créative du pays.

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Un format qui s’ancre dans la culture urbaine africaine

Nouvelle École jouit d’une position singulière : produite à l’échelle francophone, la série incarne une fenêtre sur la créativité rap qui dépasse les frontières hexagonales. Le hip-hop, né aux États-Unis, s’est réapproprié en Afrique de l’Ouest et centrale, où des artistes façonnent des univers sonores et visuels distincts. La présence du show sur Netflix amplifie cette visibilité en donnant accès à millions de spectateurs sur le continent et dans la diaspora.

Pour les jeunes musiciens guinéens et ouest-africains, ces plateformes mondiales ouvrent un horizon : celui d’une reconnaissance internationale sans passer nécessairement par les circuits traditionnels de distribution musicale. Le streaming devient ici un levier de démocratisation du talent local.

Un jury qui reflète l’évolution du hip-hop

Le changement de composition du jury n’est pas anodin. SDM, Theodora et Oli incarnent chacun une facette du rap contemporain : production, polyvalence artistique, influence sur les réseaux sociaux. Cette dynamique nouvelle pourrait renouveler les critères d’évaluation des performances et élargir les styles valorisés au-delà des codes établis des précédentes saisons.

Pour les participants, l’enjeu dépasse le trophée : Nouvelle École fonctionne aussi comme un tremplin de notoriété. Une victoire ou une apparition marquante peut transformer la trajectoire d’un artiste, générer des collaborations, des contrats de production, accélérer le passage du streaming amateur au statut de professionnel.

Une fenêtre sur le potentiel créatif francophone

La série arrive à un moment où le hip-hop francophone connaît une revitalisation. Les festivals de rap fleurissent en Afrique de l’Ouest — du Sénégal à la Côte d’Ivoire — et les investissements des labels dans les artistes émergents augmentent. Nouvelle École s’insère dans cette dynamique en offrant une visibilité mondiale aux compétiteurs.

La Guinée, malgré son riche héritage musical (art griot, tradition percussive, fondamentales du funk), cherche toujours à affirmer sa présence dans le hip-hop continental. Les artistes locaux qui aspirent à participer à des compétitions de prestige comme celle-ci mesurent l’écart entre l’accès aux plateformes internationales et le manque d’infrastructure de production et de distribution en interne.

Ce qui se joue pour les créateurs africains

La mise en ligne de la saison 5 illustre un tournant : les industries créatives africaines ne sont plus des consommatrices passives de contenu occidental, mais des productrices de formats et de talent reconnus globalement. Netflix, en renouvelant ses effectifs et en restant fidèle au format, valide l’appétit public pour cette forme d’expression.

Pour les entrepreneurs du secteur créatif — producteurs, labels, agences de management — le signal est clair : les investissements dans la production locale de hip-hop et de contenus musicaux porteurs répondent à une demande mondiale. C’est aussi un appel aux décideurs publics et aux fonds africains à soutenir l’écosystème artistique local, faute de quoi le talent continuera à migrer vers des écrans produits ailleurs.

La saison 5 de Nouvelle École arrive à point nommé : elle rappelle que le rap africain ne demande qu’une chose : une vraie scène, des ressources et une reconnaissance à la mesure de son potentiel.

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Du hip-hop documentaire à un mouvement artistique

Systema Solar est né d’une histoire singulière. Le collectif a vu le jour suite au tournage d’un documentaire consacré à la scène hip-hop colombienne. Cette genèse documentaire révèle une approche peu courante : des artistes qui se sont regroupés non seulement pour créer de la musique, mais pour raconter et célébrer une culture urbaine, celle des rues de Medellín. Plutôt que de se cantonner à un seul genre musical, le groupe a rapidement développé une identité sonore hybride, combinant des influences hip-hop avec des sonorités africaines et caribéennes, donnant naissance à ce que certains appellent la « berbenautica ».

Cette approche multidimensionnelle — musique, culture visuelle, messages sociaux — en fait bien plus qu’un groupe musical : c’est un mouvement créatif complet qui dialogue avec les enjeux de son époque.

Une vague afro-caribéenne qui traverse les frontières

Ce que Systema Solar propose résonne particulièrement dans un contexte où l’Afrique et ses diasporas cherchent à exporter leurs propres récits musicaux et culturels. Le groupe colombien démontre comment des racines locales peuvent devenir universelles sans perdre leur authenticité. En intégrant des rythmes et des influences africains à une base hip-hop et colombienne, Systema Solar crée un langage musical qui parle à des publics divers — en Amérique latine bien sûr, mais aussi en Europe, aux Antilles et bien au-delà.

Pour les acteurs des industries créatives africaines — musiciens, producteurs, vidéastes, danseurs — le modèle de Systema Solar offre une leçon stratégique : il est possible de conquérir une audience mondiale en s’appuyant sur l’authenticité locale et en créant des passerelles culturelles conscientes et assumées.

Enjeux pour la créativité africaine

En Afrique et particulièrement en Guinée, les artistes et entrepreneurs créatifs font face à des défis similaires : comment amplifier une voix locale sur les scènes internationales ? Comment financer et distribuer sa création ? Comment fédérer une communauté autour d’un projet artistique ?

Systema Solar suggère quelques réponses : l’importance de l’ancrage communautaire, la pertinence d’une identité visuelle et narrative claire, la capacité à dialoguer avec d’autres cultures sans renier la sienne, et l’utilisation stratégique des plateformes numériques et des festivals internationaux. Le collectif a su transformer une initiative documentaire en projet créatif durable, ce qui montre comment les médias et les partenariats innovants peuvent être des catalyseurs pour les industries créatives.

Une perspective pour la scène créative africaine

À l’heure où les industries créatives africaines montent en puissance — musique, cinéma, arts visuels, mode — l’exemple de Systema Solar invite à réfléchir sur la manière de construire des écosystèmes créatifs durables. Il ne s’agit pas de copier, mais d’apprendre comment un collectif peut devenir une marque culturelle globale tout en restant fidèle à son territoire et à ses valeurs.

Systema Solar conquiert le monde non pas en diluant sa singularité, mais en l’affirmant avec force et créativité. C’est une leçon que les talents créatifs africains peuvent transformer en opportunité.

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Ce projet musical incarne une démarche rare : celle d’artistes qui mettent leur notoriété et leur talent au service d’une cause universelle. Plutôt que de rester confinée à la sphère musicale, cette collaboration croise les frontières nationales et rassemble des créateurs de Côte d’Ivoire et du Sénégal autour d’un message commun. C’est un rappel que la créativité africaine se nourrit de l’échange, de la critique constructive et du débat.

Un droit sous pression en Afrique

En Guinée comme dans plusieurs pays de la région, la liberté d’expression demeure un terrain d’enjeux majeurs. Journalistes, blogueurs, musiciens et citoyens ordinaires font régulièrement face à des obstacles : censure, intimidation, arrestations arbitraires, ou restrictions d’accès à Internet. Cette chanson s’inscrit donc dans un contexte politique et social concret, où affirmer son opinion ou critiquer le pouvoir exige du courage.

Le message du single est explicite : exprimer une opinion, écrire, chanter ou débattre ne sont pas des privilèges réservés aux puissants, mais des droits humains fondamentaux. Ces droits constituent le socle même de toute démocratie fonctionnelle et inclusive. Leur absence mine la gouvernance, étouff l’innovation civique et verrouille les sociétés dans des schémas d’autoritarisme.

Musique et engagement : une tradition africaine réinventée

L’Afrique de l’Ouest possède une riche tradition de musique engagée. Des griots anciens aux hip-hoppers contemporains, les artistes ont toujours porté la parole des sans-voix et questionné le pouvoir. Didier Awadi, notamment, a forgé sa réputation en tant que rappeur conscient, mêlant critique sociale et lyrisme. Ce projet avec Kajeem et Soum Bill perpétue cette héritage tout en l’actualisant pour les enjeux du présent.

Le partenariat avec Amnesty International renforce le poids du message. L’organisation ne se contente pas de soutenir symboliquement : elle légitime la démarche aux yeux des défenseurs des droits humains et des institutions internationales, élargissant ainsi l’audience et l’impact potentiel de la chanson.

Un appel à l’action au-delà du clip

L’enjeu de ce single ne se limite pas aux chiffres de streaming ou aux récompenses musicales. Il s’agit d’un appel concret à la vigilance citoyenne : chacun doit comprendre qu’une démocratie vivante exige que les citoyens, les médias et les créateurs puissent s’exprimer sans crainte. La censure — qu’elle soit gouvernementale, corporatiste ou sociétale — appauvrit le débat public et bloque les solutions à nos problèmes communs.

Pour les jeunes artistes et créateurs africains, ce projet envoie un signal fort : votre voix compte. Vos chansons, vos films, vos récits peuvent contribuer à renforcer les libertés publiques et à inspirer des changements durables. L’art n’est pas un divertissement passif, c’est un outil de transformation sociale.

Vers une Afrique où chacun peut parler

« En toute liberté » est bien plus qu’une collaboration musicale prestigieuse : c’est un manifeste artistique. Il rappelle que les libertés fondamentales ne sont jamais acquises, qu’elles doivent être défendues constamment, et que cette défense peut emprunter les voies de la créativité, du style et de la beauté. En Guinée, en Côte d’Ivoire, au Sénégal et partout en Afrique, des millions d’auditeurs écouteront cette chanson. Certains y trouveront du courage pour parler, d’autres une confirmation que ce combat collectif est juste.

C’est cela, la puissance d’une création africaine responsable : inspirer, fédérer, et transformer.

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Deux univers artistiques qui s’affrontent

Thiird incarne une certaine école du rap guinéen : technique maîtrisée, construction métrique rigoureuse, et une présence établie dans le collectif Gnamakalah qui a marqué la scène urbaine régionale. Son approche du hip-hop privilégie la virtuosité et l’écriture complexe.

Le Mélangeur, lui, représente la vague nouvelle du rap guinéen, celle qui monte, qui accumule des chiffres impressionnants en termes de vues et de portée digitale. Son art se caractérise par une capacité à fédérer un public large, particulièrement sur les plateformes numériques.

Cette confrontation entre deux générations et deux visions du hip-hop guinéen cristallise un débat plus large : qu’est-ce qui définit l’excellence dans le rap africain actuel ? La maîtrise technique ou la capacité à créer du mouvement et du buzz ?

L’escalade des disstracks : chronologie d’une tension montante

À la mi-juillet 2026, la tension monte d’un cran. Thiird ouvre les hostilités avec le morceau DÊGUÊ, un titre à double facette qui cible directement son rival. L’artiste enchaîne ensuite avec SIMBA, renforçant son offensive musicale.

Le Mélangeur ne reste pas de marbre. Il riposte avec deux productions : DOPAMINE II et le disstrack ASPHYXIE – Na fée, des réponses directes et tranchées aux attaques de Thiird.

Cette échange de feu artistique suit une logique bien établie du genre : chaque titre est étudié, chaque punchline décortiquée, chaque flow analysé. Les fans se mobilisent sur les réseaux sociaux pour arbitrer le « clash », débattant de qui maîtrise le mieux l’art oratoire, qui livre les attaques les plus cinglantes, qui remporte chaque round.

Un phénomène qui dépasse la simple querelle

Ce qui rend ce clash particulièrement intéressant, c’est qu’il n’est pas qu’une bataille d’ego. Il révèle la vitalité de la scène musicale guinéenne et sa capacité à produire des artistes de calibre continental. Les millions de vues accumulées par les disstracks, l’engagement intense des communautés en ligne, l’analyse sophistiquée des paroles : tout indique une scène devenue mature, professionnelle et capable de générer des contenus à fort impact.

Le rap guinéen, longtemps considéré comme une scène secondaire en Afrique de l’Ouest, se positionne aujourd’hui comme un espace de création légitime, où émergent des artistes aux univers distincts et reconnaissables. Ce clash entre Thiird et Le Mélangeur en est une belle illustration : deux visions, deux styles, deux générations qui coexistent et se poussent mutuellement à l’excellence.

Au-delà du spectaculaire, une dynamique créative

Au-delà du spectacle du clash, ces confrontations musicales jouent un rôle pédagogique et créatif fondamental. Elles poussent les artistes à affûter leur technique, à repousser les limites de leur expression, et à captiver leur audience. Elles démontrent aussi que le rap guinéen peut générer de l’émulation positive, une compétition saine qui profite à l’ensemble de l’écosystème musical local.

Pour les fans, c’est une occasion de célébrer le talent et la richesse créative de leurs artistes. Pour la scène urbaine guinéenne, c’est la confirmation que le hip-hop y est devenu un vecteur majeur d’expression artistique et culturelle.

À suivre : les suites musicales de ce clash et les productions que Thiird et Le Mélangeur nous réservent encore.

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