Soro Solo, journaliste et animateur reconnu, guide les auditeurs à travers l’univers du reggae ivoirien. Son rôle n’est pas celui d’un simple animateur, mais plutôt d’un historien de ce mouvement qui a incarné à la fois la musique, la danse, les luttes sociales et les revendications d’une nation.

Une émission en deux temps

L’édition du 6 octobre débute par un tour d’horizon des dernières productions musicales du continent et de ses diasporas. Avant de plonger dans l’univers du reggae ivoirien avec Soro Solo, l’émission accueille Shorty, fondateur du média Loxymore, pour évoquer la soirée des 10 ans de La Place Paris.

La seconde partie de l’émission se concentre entièrement sur le reggae ivoirien, avec une playlist qui met en avant des artistes clés du genre. Tiken Jah Fakoly figure parmi les noms évoqués, aux côtés de créateurs comme Kassav’, et de collaborations plus récentes impliquant Didier Awadi ou Soum Bill.

Un patrimoine musical façonné par le temps

Le reggae ivoirien ne se limite pas à un genre musical : il représente un mouvement culturel qui a traversé des décennies et influencé la vie sociale et politique du pays. En conférant cette tribune à Soro Solo, Fais ton boucan reconnaît le rôle des voix qui ont su préserver et raconter cette histoire.

La programmation musicale reflet cette richesse. Elle inclut des titres comme Wep de Kassav’, Ropero de Sat-B, Axel Merryl et Naxo, Loubard Feeling de Tangara, Zehao de Beta Simon, ainsi que Houphouët et Voleur tirés du catalogue ivoirien.

Les collaborations contemporaines témoignent de la vitalité du genre. Des artistes comme Kajeem, Didier Awadi et Soum Bill proposent ensemble En toute liberté, montrant comment le reggae ivoirien continue d’évoluer tout en conservant ses racines.

La radio comme vecteur de mémoire

Fais ton boucan, émission musicale de RFI, se positionne comme un espace de célébration des innovations et des histoires du continent. En accordant une émission complète au reggae ivoirien avec un acteur de la radio comme Soro Solo, elle souligne l’importance de la transmission orale et radiophonique dans la préservation des patrimoines musicaux africains.

Cette approche rejoint la mission du média : raconter l’Afrique par les voix authentiques de ses créateurs et ses passeurs culturels, plutôt que par des analyses extérieures.

L’émission du 6 octobre 2026 dure 48 minutes et 30 secondes, offrant aux auditeurs une plongée en profondeur dans un univers musical qui a façonné des générations ivoiriennes et continues d’inspirer au-delà des frontières nationales.

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Une prestation soignée et énergique

Face à une salle nombreuse, le couple d’artistes a livré un spectacle marqué par l’énergie et la précision. Accompagnés de leurs musiciens et de leurs danseurs, Soul Bangs et Manamba Kanté ont revisité plusieurs de leurs classiques tout en proposant des titres issus de leurs répertoires solos respectifs.

Chaque séquence a été travaillée minutieusement afin de garantir une expérience à la hauteur de l’envergure de l’événement. Les artistes ont accordé une attention particulière à la préparation du spectacle, veillant à ce que chaque moment soit pensé et structuré pour captiver le public.

Une communion avec le public

Au cours de la soirée, Soul Bangs et Manamba Kanté ont multiplié les échanges directs avec le public ivoirien, créant une atmosphère de partage et de connexion. Cette interaction témoigne de leur engagement à tisser un lien authentique avec les spectateurs, au-delà d’une simple prestation musicale.

L’ambiance générale du concert a été marquée par cette communion entre les artistes et le public, reflétant la volonté des deux musiciens de transcender les barrières géographiques et de renforcer les liens culturels entre la Guinée et la Côte d’Ivoire.

Une vitrine pour la musique guinéenne

Par cette performance à Abidjan, Soul Bangs et Manamba Kanté ont offert une belle visibilité à la scène musicale guinéenne en Côte d’Ivoire. Le « Concert de la fraternité » s’est ainsi établi comme une plateforme privilégiée pour le rayonnement artistique du pays.

Cette prestation s’inscrit dans la trajectoire ascendante des deux artistes, qui continuent de repousser les limites de leur carrière sur les podiums africains. Elle démontre également la capacité de la musique à créer des moments fédérateurs et à renforcer les liens entre peuples voisins, illustrant l’essence même d’une fraternité culturelle durable.

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Un casting de prestige

La révélation de la tracklist a permis de connaître les artistes qui figureront sur ces deux projets. Black Mafia 10, intitulé « Rakititi », rassemble 14 titres dont deux collaborations. Takana Zion partage notamment le micro avec Djelykaba Bintou, chanteuse guinéenne, et Black M, artiste franco-guinéen. Cette alliance réunit des voix de la scène musicale guinéenne et invite une présence internationale au sein du projet.

Black Mafia 11, baptisé « Turbulence », propose 13 titres. Le jeune driller guinéen Le Mélangeur fait partie de cette sélection, apportant sa sensibilité et son style au nouvel opus.

Un rendez-vous très attendu

Le double concert dédicace aux deux projets se tiendra le 2 octobre au Stade Général Lansana Conté de Nongo. Cette présentation sur scène permettra aux fans de découvrir le contenu que Takana Zion a préparé et d’expérimenter les collaborations annoncées en conditions de concert. La révélation préalable de la tracklist crée une anticipation autour de cet événement attendu.

Par cette stratégie de communication progressive – dévoilement de la liste des titres suivi du concert en direct – l’artiste maintient l’engagement du public face à sa saga musicale, désormais riche de deux nouveaux chapitres.

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En amont du spectacle, Marie Louise Ouamouno et son équipe ont organisé une conférence de presse mercredi 30 septembre au CCFG. Daouda Camara, manager de l’artiste, a exposé la philosophie du projet. « Le projet Merci la Guinée est un projet piloté par Marie Louise. C’est un projet qui résume presque la carrière musicale de l’artiste, parce qu’elle a été soutenue par plusieurs personnes, des institutions et surtout par le peuple de Guinée et ses parents », a-t-il précisé. Ce concert s’inscrit ainsi comme une démarche de gratitude envers tous ceux qui ont accompagné l’évolution artistique de la musicienne.

Pour l’artiste elle-même, ce rendez-vous est l’occasion de proposer un spectacle d’exception. « La spécificité, c’est que je veux vous donner le meilleur de moi, un spectacle qu’on va garder en souvenir », a déclaré Marie Louise Ouamouno lors de la conférence. Cette promesse reflète l’ambition de créer une soirée mémorable, à la mesure des attentes du public.

Un parcours ponctué de reconnaissance

Marie Louise Ouamouno a construit sa légitimité musicale à travers plusieurs accomplissements remarqués. En 2024, elle a publié l’album « Mal Haki », qui a marqué une nouvelle étape de son expression artistique. Les récompenses qui ont suivi témoignent de la portée de son travail.

Avant même la sortie de son album, l’artiste avait remporté le trophée de la Nouvelle Révélation de la Musique Forestière en Allemagne. Cette distinction, obtenue hors des frontières nationales, souligne la résonance de sa musique au-delà de la Guinée. En 2025, elle a reçu le prix de la Meilleure Inspiration de la Musique Traditionnelle au Festival SICA, ainsi qu’une distinction aux Makona Awards. Ces prix successifs inscrivent Marie Louise Ouamouno parmi les figures émergentes et estimées de la scène musicale continentale.

Un événement soutenu par ses pairs

L’engagement de la communauté musicale envers ce concert s’est manifesté lors de la conférence de presse. Les artistes Kemo Kanté et Isa Maomy ont fait le déplacement pour soutenir leur consœur et ont invité les mélomanes à assister au spectacle. Leur présence aux côtés de Marie Louise Ouamouno témoigne d’une dynamique collaborative au sein de la scène guinéenne.

Quelques jours avant le concert, les préparatifs sont en phase finale. Les répétitions se poursuivent et les derniers réglages techniques et artistiques sont en cours. Le spectacle est annoncé comme complet, reflétant l’intérêt généré par ce projet.

Rendez-vous ce samedi 3 octobre au Centre culturel franco-guinéen pour ce concert de remerciement qui promet de célébrer à la fois le parcours d’une artiste et la richesse de la musique guinéenne.

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De son vrai nom Gaël Kapia Mawete, l’artiste est né à Kinshasa au sein d’une fratrie de sept enfants. Son univers sonore fusionne la rumba traditionnelle congolaise, la pop contemporaine et l’afrobeat, offrant une signature musicale distincte dans le paysage urbain africain. Avec des millions d’écoutes sur les plateformes de streaming et des titres dominants dans les classements continentaux, il s’est imposé comme un phénomène musical.

Des distinctions et une présence continentale

La reconnaissance du talent de Gaz Mawete s’est traduite par des nominations de prestige. Il a reçu une nomination aux MTV EMA 2020 et a remporté un trophée AFRIMA USA, distinction qui en fait le seul artiste urbain congolais à obtenir cette récompense. Ses concerts, en Afrique comme en Europe et en Occident, se définissent par l’intensité énergétique, la connexion viscérale avec le public et des dispositifs scéniques mémorables.

Au-delà de la scène musicale, Gaz Mawete s’investit dans des causes humanitaires. Il a participé à des concerts caritatifs et a prêté son talent au Festival AMANI, plateforme vouée à des enjeux sociaux et environnementaux du continent.

Un concert attendu

L’événement du 31 juillet 2027 au Stade des Martyrs de Kinshasa s’annonce comme un moment marquant. L’artiste envisage des performances singulières, des invités surprises et une atmosphère conçue pour laisser une empreinte durable. Ce concert s’inscrit dans la dynamique d’une carrière ascendante et de la vitalité de la musique congolaise contemporaine.

Ses titres, notamment « Doudou » et « Loketo », illustrent une capacité à combiner des textes ancrés dans les réalités urbaines avec des arrangements qui captivent les auditoires tant en streaming qu’en direct. Cette alchimie entre l’authenticité congolaise et une production internationale moderne constitue l’essence de son apport à la scène musicale africaine.

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Un titre centré sur l’amour et l’intimité

« Bherdhè », dont le titre signifie « cœur » en langue peule, propose une exploration intime du sentiment amoureux. Composée par Elcomoriano, la chanson dépeint l’importance de l’être aimé dans la vie du narrateur. Samba Junior y livre un message empreint de romantisme, notamment à travers la ligne « La clé de mon cœur, c’est toi qui la détiens », qui synthétise l’univers émotionnel du morceau.

Un clip aux ambitions visuelles affirmées

La réalisation du clip a été confiée à Dark Side. Tourné en extérieur, le visuel s’inscrit dans une démarche de raffinement, proposant des décors élaborés et une atmosphère élégante qui accompagnent la thématique romantique du titre. Le clip alterne entre scènes partagées avec une partenaire et séquences solo de Samba Junior, construisant ainsi une narration visuelle aux allures luxueuses.

Une nouvelle facette du « Pastoral King »

Avec ce nouveau projet, Samba Junior, également connu sous le surnom de « Pastoral King », élargit son univers artistique en proposant à son public une version plus douce et intime de son art. Le single « Bherdhè » témoigne de sa volonté de combiner la musique pastorale avec des thématiques universelles, tout en conservant l’authenticité linguistique et culturelle qui caractérise sa démarche.

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Djelykaba Bintou, Amaza, Kandia Kora, AK, Miss Kala Kala et Phaal G ont uni leurs voix pour cette déclaration d’attachement à la Guinée. Le morceau explore les paysages, la culture, le peuple et la jeunesse du pays à travers leurs interprétations respectives. Selon les porteurs du projet, le titre peint une image d’une Guinée « authentique, belle et majestueuse », tout en mettant l’accent sur son caractère « fier, vivant et tourné vers l’avenir ».

« Guinée, je t’aime » est d’ores et déjà accessible au public. La composition figure sur YouTube ainsi que sur les principales plateformes de streaming musical, offrant à un large auditoire la possibilité de découvrir cette œuvre collaborative.

Un deuxième titre pour la fête nationale

L’Acte 4 ne s’arrête pas à ce premier hymne. Les promoteurs du projet annoncent le dévoilement d’une deuxième chanson, « Soyez les Bienvenus », prévue pour le 2 octobre. Cette date coïncide avec la célébration de la fête nationale guinéenne, moment symbolique choisi pour mettre en avant une Guinée ouverte sur le monde et poursuivre la réflexion autour de l’identité nationale.

Avec ces deux titres, « La Guinée, notre paradis » consolide son approche : valoriser la diversité culturelle du pays et renforcer le sentiment d’appartenance. Le slogan qui accompagne l’Acte 4 résume cette ambition : « Une Guinée. Deux hymnes. Un même élan. »

Ces productions musicales s’inscrivent dans la continuité des volets précédents du projet, qui ont, depuis leur lancement, placé au cœur de leur démarche la beauté, la fierté et l’identité guinéennes. Elles témoignent de la capacité des artistes du pays à mobiliser leur talent pour raconter et célébrer leur nation.

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Une composition collective née d’une chambre

L’album prend forme dans la chambre d’Alexis Krasowski, chanteur et guitariste du groupe. Il y compose les premières versions des morceaux à l’acoustique avant de les présenter à Alex Riey à la batterie et Gabriel à la basse. Le trio en construit ensuite l’architecture complète : arrangements, chœurs, synthés et percussions. « On voulait vraiment prendre le temps d’essayer », explique Alexis, soulignant une démarche d’expérimentation plutôt que de précipitation.

Cinq ans de scène et deux projets préalables

L’histoire de GURL commence à Saint-Maur-des-Fossés, en Île-de-France. Alexis y rencontre Gabriel lors d’un concert organisé au lycée, où il interprète des reprises de Skegss, groupe de surf punk australien. Gabriel le rejoint à la basse, suivi d’Alex à la batterie. Les trois membres fréquentent des lycées différents mais se croisent dans la petite scène musicale locale et dans les transports scolaires. Ils migrent vers Paris pour se développer.

Le groupe sort son premier EP, Garden Party, en 2021 avec une approche DIY assumée, avant de publier Maybe We’re Not Kids Anymore en 2023, marquant un tournant vers la professionnalisation avec ingénieur du son et studio. La même année, GURL remporte le tremplin Rock & Folk, ce qui ouvre les portes de tournées en France, au Portugal, en Espagne et en Italie jusqu’au début de 2025.

Créer malgré les fragilités économiques

Aucun des trois musiciens ne vit uniquement de GURL. Seul Alex bénéficie du statut d’intermittent du spectacle. Gabriel travaille dans l’éveil musical et le spectacle théâtral, tandis qu’Alexis exerce le métier de styliste dans la mode. Cette situation leur confère une certaine liberté créative mais rappelle aussi la précarité du secteur musical indépendant, confronté à des fermetures de salles et à l’épuisement des artistes. Face à ces défis, le groupe choisit de crier « deux fois plus fort ».

Un disque qui conserve ses racines et expérimente

L’album reste ancré dans les influences historiques du groupe : Skegss, Dinosaur Jr. et Hockey Dad, avec un goût marqué pour le garage et le surf rock. Simultanément, GURL explore de nouveaux territoires. Les voix s’envolent davantage, les synthés font leur apparition, et les compositions gagnent en richesse, oscillant entre une mélancolie et une vitalité quasi adolescente.

Des morceaux comme « City Call » et « If I Had to Write You a Song » exemplifient cette ouverture. « Treasure » révèle l’ADN du groupe à travers des passages du majeur au mineur qui renforcent la profondeur mélodique sans sacrifier l’énergie brute. « Liar », construit autour d’un refrain mémorable, s’impose comme une chanson d’amour contrariée particulièrement accrocheuse.

La suite : la scène et l’international

GURL organise une soirée de lancement le 22 octobre 2026 au Point Éphémère à Paris. Le groupe envisage ensuite de tourner toute l’année, avec pour ambition de se produire aux Pays-Bas, en Allemagne et jusqu’en Australie. Après des années passées en studio et en chambre, GURL doit désormais sortir et se révéler au monde, poursuivant sa quête collective de « liberté ».

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Selon un communiqué de DMC RECORD, la structure organisatrice de l’événement, Sidiki Diabaté a ressenti ce malaise au moment des dernières balances. « Sidiki Diabaté a été victime d’un malaise, nécessitant une prise en charge médicale immédiate », a précisé Djelika Diabaté, directrice de DMC RECORD. Face à cette situation, les organisateurs ont pris la décision de renoncer au spectacle du jour.

DMC RECORD a expliqué qu’il n’était « malheureusement pas possible d’assurer le spectacle ce soir dans les conditions prévues », mettant en avant que la santé de l’artiste restait la priorité absolue. L’organisation n’a pas communiqué de nouvelle date pour le moment, mais a assuré que les billets achetés pour le 18 septembre resteraient valables pour la représentation à venir.

L’événement devait accueillir des spectateurs en provenance de France et de plusieurs pays d’Afrique. DMC RECORD a adressé ses regrets au public, le remerciant pour « sa compréhension, ses prières, sa patience et son immense soutien envers Sidiki ». L’organisation a conclu son message par une phrase symbolique : « le rendez-vous est reporté, mais l’histoire continue ».

L’attention se porte désormais sur le rétablissement de l’artiste. Une annonce concernant la nouvelle date du spectacle devrait suivre dans les jours à venir.

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Le festival a honoré la minutie du maître-artisan, ce souci du détail et cette répétition du geste que partagent musiciens, danseurs et créateurs. Cette approche a guidé les créations et performances présentées dans les espaces emblématiques de la ville : palais historiques, jardins et ruelles de la médina.

Des voix et des traditions de quatre continents

Parmi les artistes invités, Sanam Marvi, chanteuse pakistanaise reconnue pour son interprétation du chant soufi au féminin, a partagé son approche du patrimoine spirituel et du Sama — l’audition mystique propre à la tradition soufie. Le chanteur soufi Sami Yussuf, figure habituelle du festival, a rencontré un accueil enthousiaste du public marocain.

La danse occupait une place centrale. Chap Chamroeunmina, danseuse étoile du ballet royal khmer du Cambodge, s’est exprimée au sein de la maison Dar Adiyel, évoquant les rituels sacrés liés à ces tableaux dansés. Dans les jardins de Jnane Sbil, les frères Kanybekov ont initié le public au komuz, ce luth à manche long d’Asie centrale emblématique de la musique kirghize, dont la technique de jeu ressemble à une danse.

Dafné Kritharas, artiste franco-grecque, a participé à Anima Ex Materia, la création d’ouverture du festival, en collaborant avec d’autres interprètes. La danseuse tzigane Cécil Ka figurait également au programme.

Explorer la médina par la musique

Le saxophoniste et compositeur Léon Phal a guidé le public au cœur de la médina de Fès, explorant quelques-unes de ses 9 400 ruelles en compagnie de son guide Chakib. Cette immersion urbaine a permis de découvrir le temple des gardiens du geste mis à l’honneur. Léon Phal a profité de cette édition pour présenter son nouvel album, Bodies and Ideas, sorti lors du festival.

La direction artistique du festival, confiée à Alain Weber, a tissé les liens entre ces diverses traditions, transcontinentales et transculturelles, reflétant l’esprit du soufisme : la rencontre authentique entre les mondes musicaux et spirituels.

Plus qu’une succession de concerts, la 29e édition a proposé une réflexion sur la transmission, le métier et le respect de l’héritage — autant de valeurs chères aux artisans comme aux musiciens qui donnent forme à des traditions millénaires.

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