Le titre de l’album ne renvoie pas à l’élégance vestimentaire de l’artiste, mais à la diversité de ses univers sonores. Justin Hicks navigue avec fluidité entre ces genres, y intégrant des accents de r’n’b, hip hop, bruits d’ambiance et chants d’oiseaux. Cette palette sonore témoigne aussi de dix années passées au sein d’un groupe de noise underground, qui ont nourri son approche expérimentale.

Des racines musicales et familiales

Né dans le Midwest américain, Justin Hicks grandit au sein d’une famille qu’il qualifie de « très religieuse, mais anormalement progressiste ». Son père, pasteur, cultive une passion pour les arts plastiques, tandis que sa mère, enseignante, chante dans un trio folk-gospel. C’est auprès d’elle qu’il entonne ses premières chansons à l’église dès cinq ans. Elle l’inscrit également à sept années de cours de piano avant qu’il n’abandonne temporairement la musique pour se consacrer au basket.

Cette trajectoire singulière—qui l’a mené jusqu’aux cuisines de restaurants du Bronx, où il exerce le métier de chef cuisinier—irrigue l’ensemble de Man of Style.

La vie ordinaire comme source d’inspiration

Sur le titre « Use Your Head », Justin Hicks s’inspire d’un proverbe transmis par sa mère : utiliser son imagination pour créer quelque chose à partir de presque rien. « Bread Will Rise » (« Le pain lèvera ») rend hommage à ses années derrière les fourneaux, avec des arrangements aux dimensions presque baroques qui révèlent son inépuisable curiosité musicale.

Loin de tout manifeste ou discours militant, Man of Style privilégie la poésie du quotidien, les récits intimes et les émotions discrètes. Cette musique, sincère et dénuée de prétention, ne prétend pas changer le monde. Elle se propose plutôt d’accompagner nos existences ordinaires—et c’est dans cette humilité que réside peut-être sa plus grande force.

Dates de présentation

Justin Hicks présentera Man of Style le 5 octobre 2026 au New Morning à Paris, puis le 10 octobre 2026 à Marseille.

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Sa force première tient à sa voix : puissante et généreuse, elle navigue des graves profonds aux aigus percutants avec une présence scénique capable d’électriser les salles. C’est cette singularité qui lui a permis d’enchaîner les productions prestigieuses — Black Legends, Le Roi Lion, le Paradis Latin — et les collaborations télévisuelles, notamment un passage remarqué dans The Voice France.

Au-delà des scènes établies, The Joyful Key a choisi d’être maître de sa création artistique. Cette indépendance guide son approche musicale : plutôt que de suivre une tendance existante, il construit progressivement un son personnel, mêlant influences soul et dynamiques de performance live.

Un tournant attendu pour fin 2026

L’artiste prépare son EP VIVAM, attendu pour la fin de l’année 2026. Selon le programme de l’émission « Fais ton boucan » de RFI, ce projet marque un tournant : plus assumé, plus tourné vers le live, et résolument ouvert sur l’international. Ce virage reflète une volonté de consolider son univers tout en l’exposant à un public plus large.

Il sera en concert à la Bellevilloise à Paris le 19 septembre, une date importante pour découvrir ou redécouvrir son travail en format live.

Une trajectoire en quête de liberté artistique

La démarche de The Joyful Key s’inscrit dans un courant plus large d’artistes qui privilégient l’indépendance et l’authenticité à la popularité immédiate. En produisant lui-même sa musique, en choisissant ses collaborations et en construisant progressivement son identité sonore, il place l’intégrité artistique au cœur de sa stratégie.

Cette philosophie résonne particulièrement auprès d’un public attentif aux démarches authentiques, loin des formules éprouvées du divertissement mainstream. Pour les mélomanes en quête de soul contemporaine avec une touche caribéenne, The Joyful Key offre une alternative réfléchie et généreuse.

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Un album pensé comme un jeu de société

Selon RFI, source de cette rencontre, Next s’inscrit comme le disque le plus personnel de l’artiste. Conçu en grande partie depuis son appartement de Brooklyn, l’album fonctionne comme une narration musicale — une sorte de jeu de société où chaque morceau représente une étape d’un parcours intime. Cette approche conceptuelle rappelle les albums-concept qui, historiquement, ont marqué l’histoire de la musique populaire mondiale.

Ce qui singularise Kendra Morris, c’est cette voix intemporelle, une tonalité qui semble provenir d’une autre époque. Associée à une production maîtrisée et à des arrangements pensés, cette signature vocale crée un dialogue entre passé et présent — une démarche qui résonne avec les mouvements de revitalisation musicale observés en Afrique, où les artistes puisent dans les archives sonores tout en les réinventant pour le public contemporain.

L’influence du reggae et du doo-wop en Afrique

Le reggae et le doo-wop, deux piliers du projet de Morris, ont tous deux laissé des traces indélébiles dans les paysages musicaux africains. Le reggae, né en Jamaïque, s’est diffusé depuis les années 1970 sur le continent, influençant artistes et producteurs de l’Afrique de l’Ouest à l’Afrique australe. Le doo-wop, quant à lui, représente une part importante de l’héritage vocal américain qui a inspiré des générations d’artistes africains explorateurs d’harmonies.

Dans ce contexte de circulation panafricaine des styles musicaux, le travail de Morris incarne une logique d’échange intercontinental : une Américaine qui absorbe les couleurs du reggae caribéen pour tisser sa propre expression. En miroir, les musiciens africains — des producteurs de Lagos aux innovateurs de Dakar, Accra ou Kinshasa — opèrent des alchimies similaires, transformant leurs héritages locaux et les influences globales en langage artistique personnel.

Production indépendante et autonomie créative

Un élément clé du profil de Kendra Morris mérite attention en Afrique : son rôle de productrice. Alors que l’industrie musicale africaine se professionnalise — notamment en Guinée, au Sénégal et dans toute la sous-région CEDEAO — le modèle d’artiste-producteur devient de plus en plus courant. Cette trajectoire offre une autonomie créative et économique que les structures de production traditionnelles n’offrent pas toujours.

Les jeunes producteurs africains, du Burkina Faso à la Côte d’Ivoire, en passant par la Guinée, s’inspirent de ces modèles d’indépendance. Les outils numériques — DAW, synthétiseurs virtuels, plateformes de distribution — ont démocratisé l’accès à la production musicale, permettant à des créateurs de maîtriser l’intégralité de leur chaîne de valeur.

Un dialogue musical global

Le parcours de Kendra Morris illustre une vérité fondamentale : la musique est un langage d’intégration culturelle. Ses influences — soul, reggae, doo-wop, pop — transcendent les frontières nationales et raciales. C’est aussi vrai en Afrique, où des artistes comme Wizkid (Nigéria), Burna Boy ou des producteurs guinéens créent en puisant dans des réservoirs musicaux globaux.

À l’heure où la CEDEAO promeut une intégration économique et culturelle régionale, les échanges artistiques comme ceux incarnés par Morris deviennent des vecteurs subtils mais puissants de rapprochement continental. Les industries créatives africaines, reconnues comme secteur d’avenir par les institutions continentales, gagnent à apprendre de ces trajectoires d’autonomie créative et de fusion stylistica.

Source : entretien RFI, podcast « BPM – Bonnes Pulsations du Monde ».

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