Fin juillet, elle s’est produite au festival Les Escales de Saint-Nazaire, en France. Accompagnée de deux danseurs sur scène et dissimulée derrière un masque richement orné de cauris, elle a offert au public une immersion dans son univers sonore.

Une enfance au cœur de la forêt

Les racines musicales d’Asna plongent dans sa jeunesse en Côte-d’Ivoire. Enfant, elle a grandi dans la région de Guiglo, où la nature occupe tout l’espace. Elle se souvient de ces trajets en voiture familiale sur les routes ivoiriennes, écoutant les K7 de musiciens locaux comme John Yalley, figure emblématique d’un rock teinté d’ivoirité. « On allait une fois par mois chez le disquaire acheter les nouvelles sorties », raconte-t-elle. C’est dans cette atmosphère que le virus de la musique s’est propagé.

Ces années d’enfance au sein de la nature sauvage ont profondément marqué son approche artistique. Pieds nus dans la forêt, elle a côtoyé une faune riche et diversifiée. Cette connexion viscérale avec l’environnement naturel a façonné son esthétique musicale : les sons de la nature s’entrelacent désormais avec la pulsation électronique au cœur de ses productions.

Du graphisme à la musique

Asna a poursuivi ses études supérieures en quittant la Côte-d’Ivoire, avec des passages à Abidjan, Dakar et Rabat. Elle a obtenu un diplôme de graphiste, une formation éloignée de la scène musicale. À son retour au pays, la musique n’était pas le chemin tracé. Pourtant, un premier concert l’a mis face à lui-même. Malgré une prestation qu’elle juge mitigée, elle a continué à jouer et à mixer. Graduellement, elle s’est écoutée, happée par le son et sa vibration propre.

Une quête de pureté musicale

Pour Asna, la musique est bien plus qu’un art : c’est une entité vivante qui demande à être entendue. « La musique, c’est un esprit, c’est quelque chose de vivant en fait. La musique, elle est là », affirme-t-elle. Une fois qu’elle appelle l’artiste, il devient très difficile de s’en détacher.

Sur scène comme dans la vie, Asna poursuit une quête singulière : celle d’une justesse authentique avec son art. Elle incarne une transmission, une transe portée par sa musique comme unique arme et guide. Sa prière est simple mais fondamentale : que les cœurs et les esprits du public soient disposés à recevoir son expérience, et que cette connexion lui permette de s’améliorer continuellement. « Je prie pour que ces cœurs et ces esprits-là puissent toujours être là et que je sois juste avec la musique », conclut-elle.

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Au-delà du simple parrainage, Lambert Wilson montera sur scène en tant que récitant et chanteur, donnant corps à l’univers musical et littéraire de Ravel. Cette participation active marque l’importance accordée à la transmission et à la redécouverte de ce compositeur, dont le mystère et la raffinement restent centraux à son œuvre.

Un patrimoine célébré trois décennies plus tard

Maurice Ravel, auteur du célèbre Boléro, demeure une figure emblématique et énigmatique de la création musicale française. Mélodiste raffiné et orchestrateur de génie, il a marqué profondément la musique classique du XXe siècle. Montfort-l’Amaury, lieu de résidence et de composition du maître, offre le cadre idéal pour honorer son legs artistique.

Les 30e Journées Ravel proposent un format riche et varié. Concerts, lectures, ateliers pédagogiques et spectacles scéniques se succèdent tout au long des trois week-ends, invitant le public à explorer les multiples dimensions de l’œuvre et de la pensée du compositeur. Cette approche pluridisciplinaire témoigne de la volonté de raviver un héritage culturel à travers des expériences vivantes et participatives.

Un acteur au service de la transmission artistique

En acceptant le rôle de parrain et en se produisant lui-même lors du festival, Lambert Wilson souligne l’importance de la transmission intergénérationnelle en matière de culture. Son engagement incarne une certaine vision de l’art : celle d’une pratique vivante, incarnée par des personnalités reconnaissables, capable de créer des passerelles entre les générations de spectateurs.

La présence d’un visage aussi familier du cinéma et du théâtre dans une manifestation dédiée à la musique classique élargit également l’audience potentielle du festival, renforçant l’accès de publics variés à un répertoire parfois perçu comme réservé aux connaisseurs.

Un festival au cœur du patrimoine musical français

Ces Journées Ravel s’inscrivent dans une longue tradition française de célébration du patrimoine musical. Le choix de Montfort-l’Amaury n’est pas anodin : c’est dans cette commune que Ravel a choisi de vivre et de créer certaines de ses œuvres majeures, liant indissociablement le compositeur au territoire. La maison du musicien demeure un centre d’attraction pour musicologues, musiciens et mélomanes du monde entier.

Le festival, en son trentième anniversaire, donne l’occasion de réaffirmer le rôle central de Ravel dans le patrimoine musical mondial et la pertinence durable de son œuvre pour les publics contemporains. Concerts, ateliers interactifs et performances conjuguent rigueur musicologique et accessibilité, établissant un dialogue constant entre la recherche savante et le plaisir esthétique du spectateur.

Cette édition anniversaire, sous le parrainage de Lambert Wilson et enrichie de sa participation artistique, marque une nouvelle étape dans la vie du festival, confirmant sa place parmi les rendez-vous majeurs de la vie culturelle française et son rôle dans la conservation et la réinterprétation d’un des grands maîtres de la musique du XXe siècle.

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Le festival a honoré la minutie du maître-artisan, ce souci du détail et cette répétition du geste que partagent musiciens, danseurs et créateurs. Cette approche a guidé les créations et performances présentées dans les espaces emblématiques de la ville : palais historiques, jardins et ruelles de la médina.

Des voix et des traditions de quatre continents

Parmi les artistes invités, Sanam Marvi, chanteuse pakistanaise reconnue pour son interprétation du chant soufi au féminin, a partagé son approche du patrimoine spirituel et du Sama — l’audition mystique propre à la tradition soufie. Le chanteur soufi Sami Yussuf, figure habituelle du festival, a rencontré un accueil enthousiaste du public marocain.

La danse occupait une place centrale. Chap Chamroeunmina, danseuse étoile du ballet royal khmer du Cambodge, s’est exprimée au sein de la maison Dar Adiyel, évoquant les rituels sacrés liés à ces tableaux dansés. Dans les jardins de Jnane Sbil, les frères Kanybekov ont initié le public au komuz, ce luth à manche long d’Asie centrale emblématique de la musique kirghize, dont la technique de jeu ressemble à une danse.

Dafné Kritharas, artiste franco-grecque, a participé à Anima Ex Materia, la création d’ouverture du festival, en collaborant avec d’autres interprètes. La danseuse tzigane Cécil Ka figurait également au programme.

Explorer la médina par la musique

Le saxophoniste et compositeur Léon Phal a guidé le public au cœur de la médina de Fès, explorant quelques-unes de ses 9 400 ruelles en compagnie de son guide Chakib. Cette immersion urbaine a permis de découvrir le temple des gardiens du geste mis à l’honneur. Léon Phal a profité de cette édition pour présenter son nouvel album, Bodies and Ideas, sorti lors du festival.

La direction artistique du festival, confiée à Alain Weber, a tissé les liens entre ces diverses traditions, transcontinentales et transculturelles, reflétant l’esprit du soufisme : la rencontre authentique entre les mondes musicaux et spirituels.

Plus qu’une succession de concerts, la 29e édition a proposé une réflexion sur la transmission, le métier et le respect de l’héritage — autant de valeurs chères aux artisans comme aux musiciens qui donnent forme à des traditions millénaires.

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Cette initiative revêt une dimension particulière en Afrique du Sud. Le quartier qui accueille ces espaces jouit d’une mauvaise réputation, souvent redouté par les habitants. Pourtant, le festival offre une occasion de changer ce regard, de faire découvrir une réalité méconnue et de tisser des liens entre créateurs et communauté.

Des espaces transformés par la création

Usha Seejarim, plasticienne, a installé son studio il y a dix-huit ans dans un bâtiment du quartier industriel de Johannesburg. Son travail repose sur des objets du quotidien — fers à repasser, pinces à linge — qu’elle détourne et réinvente. Lors du festival, les visiteurs accèdent à tous les étapes de son processus créatif, du rangement minutieux des outils aux pièces inachevées côtoyant les créations terminées.

« Cette expérience me fait me sentir un peu vulnérable », reconnaît-elle. « Mais j’aime beaucoup le fait que les gens puissent entrer dans mon espace, pour faire l’expérience de ce qui se passe en coulisses. Il y a des pièces terminées qui côtoient des choses inachevées, c’est plutôt beau. Je pense que c’est bien de partager quelque chose en plus du simple travail final, de montrer aussi ma démarche. »

Un accès démocratisé à l’art

Les visiteurs découvrent des univers qu’ils ne soupçonnaient pas. Mlungisi, venu explorer le studio d’Usha, exprime sa surprise : « Cet endroit est complètement nouveau pour moi. De l’extérieur, le bâtiment n’a pas l’air super. Mais je suis surpris et stupéfait de voir tout ce qui s’y passe à l’intérieur. »

Pour beaucoup, ce type d’accès direct demeure exceptionnel. Suzanne, qui ne fréquente pas régulièrement les musées, y voit une opportunité précieuse : « C’est rafraîchissant d’avoir accès à tout ça ! On se rend compte que l’ensemble du processus de création peut être assez chaotique, et j’aime bien ça. »

Une quinzaine d’espaces mobilisés

Au total, une quinzaine d’espaces créatifs ont ouvert leurs portes le temps d’un week-end, transformant temporairement le centre-ville en galerie à ciel ouvert. Ce modèle permet à des artistes de tous horizons — sculpteurs, peintres, designers — de partager leur quotidien professionnel avec un public souvent éloigné des circuits traditionnels de l’art.

Contra.Joburg incarne ainsi une philosophie : l’art n’est pas réservé aux institutions ou aux espaces consacrés, il vit dans les bâtiments ordinaires du centre-ville, dans les gestes du créateur au travail, dans la rencontre entre celui qui fabrique et celui qui regarde.

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Une formation née à Glasgow

Corto.alto est né de l’amitié entre plusieurs musiciens qui se sont rencontrés au Conservatoire royal d’Écosse à Glasgow alors qu’ils n’avaient que 16 ans. Leurs parcours illustrent l’impact des politiques éducatives écossaises : l’accès gratuit à l’enseignement musical et aux cours d’instrument proposés dans les écoles publiques et les conservatoires a permis à ces jeunes, issus de milieux variés, de découvrir leur passion et de la transformer en carrière professionnelle.

Au cœur du projet se trouve Liam Shortall, multi-instrumentiste qui joue du trombone, de la basse et des synthés, tout en assurant la composition et la production du groupe. Shortall construit son univers musical en accumulant des matériaux sonores divers : riffs d’instruments, enregistrements de rue, fragments vocaux et même extraits trouvés sur les réseaux sociaux. Ses influences couvrent un spectre large, du hip-hop d’A Tribe Called Quest aux symphonies de Brahms, en passant par le dubstep de Skrillex.

Un jazz réinventé

Corto.alto redéfinit les contours du jazz contemporain en le fusionnant avec le hip-hop, le r’n’b, la musique classique et le broken beat — ce genre électronique londonien né à la fin des années 1990, marqué par l’influence du jazz, du funk et de la soul.

La méthode de création du groupe met en avant son approche expérimentale. En 2024, l’album concept 30/108 incarnait cette philosophie : trente morceaux composés et publiés consécutivement pendant un mois, démontrant la capacité collective du groupe à improviser et innover.

Nostalgie et intimité

SOME SMALL FORTUNE marque un tournant plus personnel. Liam Shortall a structuré cet album autour de thèmes universels : l’enfance, la notion du temps qui passe et la façon dont les souvenirs se transforment ou s’estompent. Cette dimension introspective se perçoit particulièrement dans le morceau « APRIL », qui voit la collaboration de la chanteuse franco-sénégalaise Anaiis.

Agenda européen

Après la sortie de l’album, corto.alto se produira le 5 septembre 2026 au festival Jazz à la Villette à Paris, inaugurant ainsi une tournée de plusieurs mois prévue jusqu’en janvier 2027. Cette présence aux festivals majeurs du continent confirme la reconnaissance croissante du groupe au-delà des frontières écossaises.

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Quand la poésie rencontre le public

Imaginer la poésie sous le ciel ouvert, pieds dans le sable, face à l’Atlantique, c’est redéfinir le rapport entre créateur et spectateur. Cette formule n’est pas nouvelle au Maroc—la Maison de la Poésie de Marrakech l’a éprouvée et consolidée au fil de sept éditions—mais elle représente une philosophie artistique en expansion sur le continent : démocratiser l’accès aux lettres et aux arts, briser l’isolement des salles de concert ou des galeries.

Beddouza, commune côtière modeste, n’a pas le prestige de Marrakech ou de Casablanca. C’est justement le point : les festivals africains qui montent en puissance sont ceux qui acceptent de décentraliser, de ne pas se cantonner aux métropoles. La Guinée le sait bien, qui a vu émerger des initiatives comme les éditions régionales du Fespaco musical ou des résidences d’artistes en zone rurale. L’impact culturel grandit quand la création irrigue l’ensemble du territoire.

Un vecteur de rayonnement pour le Maroc

Le Maroc, nation francophone d’Afrique du Nord, a fait de la culture un pilier de sa soft power régionale. Les Plages de la Poésie s’inscrivent dans un écosystème plus large : festivals de musique (comme Essaouira), biennales d’art contemporain, résidences d’écrivains. Cette stratégie systématique positionne le royaume comme un foyer créatif incontournable, attirant écrivains, artistes et investisseurs culturels du continent et au-delà.

Pour les entrepreneurs créatifs africains—musiciens, dramaturges, éditeurs—ces événements servent d’observatoires. Qui y vient ? Comment s’organise-t-on ? Comment financer ? Quels partenaires cherche-t-on ? Le festival n’est pas qu’une célébration ; c’est un marché d’idées et de contacts.

La Guinée et l’Afrique de l’Ouest dans ce mouvement

La Guinée, riche d’une tradition orale millénaire et d’une scène musicale dynamique, reste sous-représentée dans les grands festivals internationaux du continent. Les Plages de la Poésie—et des événements similaires organisés en Côte d’Ivoire, au Sénégal ou au Burkina Faso—sont des modèles à observer. Comment structurer une manifestation culturelle durable ? Comment l’auto-financer sans dépendre exclusivement de l’État ? Comment attirer des visiteurs venus d’ailleurs ?

La poésie, en particulier, incarne un pont entre tradition et modernité : contes griots, poésie écrite, slam urbain, musique engagée. Les festivals qui la mettent en scène—dans un cadre désacralisé, populaire—redonnent du prestige à des formes de création que la mondialisation a souvent relégalisées ou ghettoïsées.

Ce qui reste à surveiller

Trois enjeux méritent attention. D’abord, la composition du programme : quels auteurs marocains, nord-africains, subsahariens participeront ? L’édition 7 sera-t-elle plus panafricaine que les précédentes, ou restera-t-elle centrée sur le Maghreb ? Ensuite, la captation et la diffusion : les Plages de la Poésie seront-elles documentées, diffusées en ligne, rendues accessibles au-delà de Beddouza ? Enfin, l’impact économique local : comment les habitants de Beddouza se l’approprient-ils ? Qui en profite—gîtes, restaurants, artisans locaux ?

Les meilleures industries créatives africaines sont celles qui créent des écosystèmes : formations, résidences, plateformes de diffusion, emplois directs et indirects. Un festival réussi n’est pas qu’un événement de trois jours ; c’est un catalyseur.

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Une œuvre reconnue mondialement

Han Kang, autrice sud-coréenne, a reçu le prix Nobel de littérature en 2024 pour son style poétique et sa capacité à explorer les zones grises de l’expérience humaine. Impossibles adieux poursuit cette trajectoire en interrogeant le deuil, la mort et la transformation intime. Le chapitre intitulé « Oiseau » offre un terrain fertile pour une expérience théâtrale et sensorielle.

« Cette lecture-performance témoigne de la manière dont les œuvres de qualité transcendent les frontières linguistiques et culturelles », note l’apport formatif des festivals comme Avignon, qui jouent un rôle majeur dans la diffusion des voix littéraires non eurocentriques.

Julie Deliquet et le théâtre de la voix

Actrice et metteure en scène, Julie Deliquet est reconnue pour ses approches novatrices du texte littéraire sur scène. Son travail consiste à transformer la lecture en performance vivante, où chaque phrase devient geste, respiration, présence physique. Cette approche rencontre particulièrement l’esthétique de Han Kang, dont l’écriture procède par fragmentations, silences et images surréelles.

La « lecture-performance » n’est pas une simple déclamation : c’est une création théâtrale où le texte devient dialogue entre l’actrice, l’espace et le public. Cette pratique s’inscrit dans une longue tradition d’hybridation des arts, commune aux écoles théâtrales africaines (où conteur, danseur et musicien partagent l’espace) et aux innovations contemporaines globales.

Un contexte de rayonnement africain des arts

Si cet événement se déploie à Avignon, il invite à questionner la place des artistes et créateurs africains dans les festivals majeurs mondiaux. Les institutions culturelles du continent — comme la Biennale de Dakar, les festivals du Mali, du Burkina Faso ou de Guinée — jouent des rôles croissants dans la circulation des œuvres et la reconnaissance des talents.

La CEDEAO, par ses politiques de mobilité culturelle et ses directives sur la libre circulation des artistes et des biens culturels, crée progressivement un cadre favorable aux échanges intra-africains et à la projection continentale. Des plateformes comme Fameen News valorisent ces dynamiques : célébrer comment l’Afrique innove, crée et dialogue avec le monde.

Un modèle d’échange transcontinental

La présence d’une œuvre coréenne primée au Festival d’Avignon, interprétée par une artiste française et diffusée en podcast (selon la source RFI de Vive s’voix), illustre les écosystèmes créatifs modernes : mondiaux, collaboratifs, hybrides.

Pour le continent africain, ce modèle est inspirant. Il montre que la visibilité internationale n’est pas réservée aux industries établies du Nord, mais accessible aux voix innovantes, qu’elles émergent de Séoul, Lagos, Abidjan ou Conakry. Les artistes et créateurs africains disposent des mêmes outils et des mêmes plateformes pour faire connaître leurs œuvres : à condition de bénéficier de soutien, d’investissement et de reconnaissance institutionnelle.

Cette dynamique incite à l’action : renforcer les fonds d’aide à la création en Guinée et en Afrique de l’Ouest, soutenir la mobilité des artistes continentaux, et amplifier les partenariats entre festivals africains et internationaux pour que les créateurs du continent gagnent la scène mondiale avec la même force que Han Kang.

Source : RFI, « De vive s’voix », podcast, juillet 2024.

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Selon RFI, le musicien au vibrato distinctive a marqué la dernière journée du festival par une prestation généreuse, revisitant son répertoire de tubes avec une énergie rarement observée ces dernières années. Une performance qui rappelle combien les grands festivals de musique demeurent des espaces de dialogue culturel transnational.

La chanson française comme pont culturel pour l’Afrique francophone

Pour les pays membres de la Communauté économique des États de l’Afrique de l’Ouest (CEDEAO) — dont la Guinée —, ces échanges artistiques revêtent une importance particulière. Ils participent à l’intégration régionale en renforçant les liens culturels et le sentiment d’appartenance à un espace francophone commun. Les festivals comme les Francofolies offrent une vitrine aux artistes du continent, tout en permettant aux créateurs africains d’accéder à des plateformes internationales.

L’Organisation internationale de la Francophonie (OIF) souligne régulièrement le rôle stratégique de la culture comme levier de développement durable et de cohésion sociale. La musique, en particulier, transcende les barrières économiques et politiques — des défis réels au sein de la CEDEAO — en créant des espaces de rencontre authentiques.

Un spectacle de générosité artistique

Ce qui a frappé les observateurs lors de ce concert, c’est l’engagement sans réserve de Julien Clerc. En versant généreusement au répertoire ses plus grands tubes, l’artiste a rappelé l’essence même d’une performance réussie : l’échange sincère avec le public. Cette générosité artistique — offrir au spectateur le meilleur de son catalogue — incarne une philosophie que les festivals musicaux mondiaux s’efforcent de cultiver.

Pour les jeunes musiciens africains, en particulier en Afrique de l’Ouest, ces modèles de générosité créative sont source d’inspiration. Ils montrent qu’une carrière artistique durable repose aussi sur le partage et la reconnaissance du public.

Les Francofolies, miroir de la vitalité francophone

Fondées en 1985, les Francofolies de La Rochelle demeurent l’un des plus grands festivals de musique francophone en Europe. Elles attirent chaque année des artistes de tous horizons et des visiteurs des pays francophones du monde entier, y compris d’Afrique. C’est un espace où la diversité linguistique et culturelle du monde francophone s’exprime pleinement.

Pour les institutions de l’intégration régionale africaine — l’OIF, la CEDEAO, l’Union africaine — ces événements représentent des occasions concrètes de valoriser les talents du continent et de renforcer les échanges dans un contexte où la culture est reconnue comme un pilier du développement.

Un écho pour les créateurs africains

Le spectacle de Julien Clerc, bien que situé en France, rappelle aux musiciens, compositeurs et producteurs africains l’importance de la scène musicale francophone mondiale. Pour la Guinée et l’ensemble de la CEDEAO, ces festivals offrent des modèles et des opportunités de networking — autant de portes ouvertes vers des collaborations artistiques internationales.

La générosité dont a fait preuve le musicien français n’est pas anecdotique : elle illustre une philosophie selon laquelle la culture prospère quand elle circule librement, quand elle est partagée sans calcul, et quand elle unit ceux qui la créent et ceux qui la reçoivent.

Source : RFI Musique, 15 juillet 2026 — « Aux Francofolies de La Rochelle, un Julien Clerc épatant de générosité »

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Cet événement, organisé autour de la musique comme vecteur de créativité et d’expression, a offert une plateforme à de jeunes talents locaux, confirmant que l’industrie musicale guinéenne reste un vivier d’innovation artistique. Le festival a attiré un public varié, des écoles aux familles, illustrant l’appétit des Guinéens pour les événements culturels de qualité.

Une vitrine pour la jeunesse créative

Pour les jeunes artistes guinéens, cet événement revêt une importance stratégique. Face à la concurrence régionale (Mali, Sénégal, Côte d’Ivoire), disposer d’une scène nationale solide permet aux musiciens de développer leur audience, de tester de nouveaux projets et de se faire connaître avant une expansion régionale ou continentale.

Les performances ont mis en lumière la diversité des styles : du traditionnel revisité au hip-hop, en passant par des fusions contemporaines. Cette variété reflète la richesse musicale de la Guinée, où les influences mandingues, susu et peuhl façonnent une identité sonore particulière.

Un enjeu économique et social

Au-delà du spectacle, les festivals musicaux jouent un rôle économique crucial en Afrique de l’Ouest. Ils génèrent des revenus pour les musiciens, les techniciens, les prestataires de services et les petits commerçants. Ils créent aussi des emplois temporaires et renforcent l’écosystème créatif local.

Sur le plan social, ces manifestations offrent aux jeunes un exutoire positif, en canalisant leur énergie vers l’art et la création plutôt que vers d’autres chemins. Dans un contexte où l’emploi des jeunes reste un défi majeur en Guinée, les industries créatives représentent un potentiel inexploité de création de valeur et d’opportunités.

Vers un secteur créatif structuré

L’organisation d’un festival de cette envergure suggère une volonté d’institutionnaliser la promotion musicale en Guinée. Pour pérenniser cette dynamique, plusieurs leviers méritent d’être activés : l’amélioration des infrastructures (salles de concert, studios), la formation technique et entrepreneuriale des artistes, la protection des droits d’auteur, et la création de fonds de soutien public ou privé.

Des pays comme le Sénégal et la Côte d’Ivoire ont montré que des festivals réguliers, soutenus par des politiques culturelles cohérentes, transforment les villes en destinations musicales et attirent des investissements créatifs durables.

La Guinée dans le concert ouest-africain

Historiquement, la Guinée a produit des figures majeures de la musique africaine. Cet événement témoigne de la continuité de cette tradition et de la vitalité de la scène contemporaine. Pour se consolider, la Guinée doit s’appuyer sur une combinaison de talent brut, d’infrastructure, de financement et de visibilité régionale — éléments dont ce festival est un indicateur positif.

Mots-clés : Culture guinéenne • Musique africaine • Entrepreneuriat créatif • Industrie musicale • Talent jeunesse • Événement culturel

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