L’artisanat revêt une importance centrale à Birao. Cyriack-Moustapha, 32 ans, incarne cette transmission générationnelle. Installé sous un baobab du quartier Korsi, il façonne chaises, lits, vêtements et chaussures à partir de rotin et de peaux d’animaux. Il commercialise également des matériaux de construction traditionnels en bambou. « Notre ville conserve une identité profondément ancrée dans sa culture, ses coutumes et ses traditions », souligne-t-il, reflétant l’attachement collectif à ce modèle économique.

L’habillement et les accessoires jouent un rôle économique et culturel. Les hommes portent des boubous adaptés à la chaleur, tandis que les femmes créent et vendent des bracelets et colliers colorés confectionnés à partir de peaux de fruits, de bois et d’écorces. Marita, habitante de Birao, explique que ces bijoux « expriment l’appartenance culturelle et l’élégance » transmises par les ancêtres. La fabrication de parfums naturels à partir de plantes, fleurs et essences d’arbres complète cette économie artisanale diversifiée.

La poterie constitue un secteur emblématique de Birao. Ali Mahamat, potier renommé depuis 50 ans, dirige l’atelier « Birao Tamam », dont le nom signifie « Birao est bon ». Le processus de fabrication débute par la préparation minutieuse de l’argile : sélection de la terre, élimination des pierres et impuretés, puis façonnage. Mahamat fabrique des vases permettant de conserver l’eau fraîche, adaptation logique à la région chaude. Selon lui, ces productions « racontent l’histoire de la vie, des naissances, des luttes et de l’espoir d’un monde meilleur ».

Le transport constitue un défi structurel de l’économie locale. Dépourvue de bus, taxis ou transports en commun reliant les quartiers, Birao s’appuie sur des ânes, des charrettes et des vélos. Ali Mahamat souligne l’importance de cette réalité : « L’âne est notre principal moyen de transport. Il nous aide à transporter les produits et à faire tourner l’économie. C’est un moyen simple et accessible à de nombreuses familles. »

Cependant, plusieurs obstacles freinent le développement économique de la ville. L’insécurité, la dégradation du réseau routier et l’isolement géographique entraînent une hausse du coût de la vie, pesant sur les petits commerces et l’artisanat local. Malgré ces contraintes, Birao maintient une économie résiliente fondée sur des savoir-faire ancrés dans l’histoire collective, où chaque activité—du tissage au travail de la terre—transmet un héritage culturel aux générations suivantes.

The post Birao: l’artisanat et la tradition au cœur de l’économie locale appeared first on Fameen News.

Deux semaines de festivités plongent la ville dans une atmosphère de ferveur collective. Sur les chantiers, les ouvriers achèvent l’installation d’infrastructures provisoires près du palais royal, où se concentrent les danses rituelles, de célébration et de cohésion. Binlin Ndamoulé, président de la Commission Tradition et Valorisation culturelle de l’Abissa, observe cette transformation : « On sent la frénésie. Habituellement quand on vient, c’est calme. Mais à tous les coins de rue, des petites constructions sont en train d’être faites. »

Pour les commerçants de la ville, l’Abissa représente bien plus qu’une célébration culturelle — c’est une opportunité économique majeure. Jean Ndouba Kouamé, vendeur au quartier France, décrit l’impact : « C’est un grand moment pour nous parce que tous les commerçants arrivent à s’en sortir. Peu importe ce que tu vends, ça va marcher. » Il chiffre précisément l’augmentation : un commerçant ayant l’habitude de générer 50 000 francs CFA mensuels peut atteindre près de 350 000 francs CFA en une seule semaine — soit une multiplication par cinq du chiffre d’affaires.

Les pagnes traditionnels occupent une place centrale dans les festivités. Chaque année, un modèle spécial est créé pour le festival, intégrant les symboles des sept familles composant le peuple N’Zima Kôtôkô. Pour 2026, les créateurs ont choisi des tons de bleu et incorporé les attributs traditionnels de ces familles. Dédé Kouamé Jean-Jacques, l’un des fournisseurs de pagnes officiels, rapporte des chiffres éloquents : « On peut vendre de 300 000 à 400 000 francs CFA par jour. Une année, j’ai même vendu plus de 1 400 000 francs CFA en une journée seulement. » Bien que le port du pagne ne soit pas obligatoire, son attrait est indéniable auprès des festivaliers qui souhaitent honorer l’occasion.

L’Abissa conjugue esthétique et rituels : vêtus de leurs pagnes, les participants se maquillent de kaolin selon la tradition. Cette synergie entre héritage immatériel et commerce local fait de la fête un pilier économique et culturel pour Grand-Bassam. À quatre semaines du coup d’envoi, la ville s’impatiente de célébrer ce moment que ses habitants qualifient de sacré.

n

Rechercher le clip sur YouTube

The post Grand-Bassam se prépare pour l’Abissa, fête du nouvel an N’Zima appeared first on Fameen News.

Cette trajectoire d’une mélodie folk à un hymne planétaire raconte bien plus qu’une simple adaptation musicale : elle illustre comment une création populaire peut traverser les frontières, se transformer et devenir un repère collectif partagé par des millions de personnes.

Aux origines : une chanson de moisson ukrainienne

La mélodie provient de « Shchedryk », une chanson traditionnelle ukrainienne datant du XIXe siècle. Cette composition originale célèbre les rituels de la moisson et la bénédiction des récoltes, des thèmes profondément ancrés dans la vie rurale d’Europe de l’Est. « Shchedryk » incarne une expression artistique de la vie paysanne ukrainienne, transmise oralement à travers les générations.

La richesse de cette création tient à sa mélodie distincte et à son articulation culturelle : elle n’est pas un simple air, mais un vecteur de mémoire collective incarnant les cycles agricoles et les valeurs communautaires de la société ukrainienne.

La transformation occidentale : un nouvel habit, une nouvelle identité

Au début du XXe siècle, la composition a été adaptée en Occident, notamment par le compositeur américain Mykola Leontovych. L’adaptation proposée a remplacé le contexte originel de moisson par des paroles évoquant des cloches de Noël et des célébrations hivernales. Le titre anglais « Carol of the Bells » reflète cette réorientation thématique.

Cette transformation illustre un phénomène musical universel : comment une création locale peut être réinterprétée pour résonner avec un public différent, sans perdre sa puissance mélodique intrinsèque. La mélodie a gardé son intégrité musicale tout en acquérant une nouvelle signification culturelle.

De la marge au centre : un succès planétaire

« Carol of the Bells » a progressivement conquis un statut de classique incontournable de la musique de Noël mondiale. Elle figure au répertoire des orchestres symphoniques, des chœurs d’église et des arrangements pop, rock et même électroniques contemporains. Cette ubiquité témoigne de la force universelle de sa structure mélodique.

Le phénomène révèle une vérité sur la création artistique : une mélodie bien construite, porteuse d’une émotion authentique, peut transcender son contexte originel et parler à des publics distants culturellement et géographiquement.

Un héritage vivant pour la création africaine

Pour les créateurs africains, cette histoire offre des enseignements précieux. Elle montre que les créations populaires — des rythmes traditionnels aux compositions folkloriques — possèdent un potentiel de résonance planétaire. Des musiciens africains qui travaillent aujourd’hui à fusionner les sonorités traditionnelles avec les formes contemporaines reprennent un chemin semblable à celui des compositeurs qui ont transformé « Shchedryk ».

L’enjeu consiste à valoriser et documenter le patrimoine musical africain, tout en encourageant les artistes à imaginer des adaptations créatives susceptibles de toucher un public international, sans renier l’authenticité de l’origine.

Une mélodie, un symbole de continuité

L’histoire de « Carol of the Bells » ne s’arrête pas au succès commercial ou à la reconnaissance mondiale. Elle rappelle que chaque culture produit des créations qui méritent d’être préservées, documentées et célèbrées — d’abord pour leur valeur intrinsèque, ensuite pour leur potentiel de circulation et de transformation.

Alors que les questions de représentation et de reconnaissance des créateurs africains occupent une place croissante dans les débats mondiaux sur la culture et le droit d’auteur, cette trajectoire historique montre aussi la complexité : une création peut voyager, se transformer et enrichir le patrimoine humain, à condition que sa source soit reconnue et honorée.

The post Une mélodie ukrainienne conquiert le monde : l’histoire oubliée derrière « Carol of the Bells » appeared first on Fameen News.

Un héritage entre deux mondes

Le oud Ramal incarne une richesse musicale particulière : celle du Maroc médiéval, à l’époque où Cordoue, Grenade et Al-Andalus rayonnaient sur le bassin méditerranéen. Contrairement au oud classique, cet instrument allie des caractéristiques acoustiques et structurelles qui le distinguent, le positionnant à la croisée des influences arabo-andalouses et des principes harmoniques que les anciens Grecs avaient théorisés. C’est cette singularité qui en fait un objet d’étude pour les musicologues et un symbole vivant de l’identité culturelle marocaine.

La musique arabo-andalouse elle-même incarne cette mémoire métissée : née du Maroc vers le 9ème siècle, elle s’est épanouie en Al-Andalus avant d’être rejetée lors de la Reconquista. Elle a ensuite survécu en Afrique du Nord, en Turquie et au Levant, gardienne d’une civilisation plurielle. Le oud Ramal en est l’une des clés instrumentales.

Une mission de transmission

À Oujda, en Oranie marocaine, Yacine Fadhil, musicien franco-marocain, s’est établi comme l’un des rares défenseurs contemporains de cet instrument. Formé à la musique arabo-andalouse dans sa ville d’adoption, il a endossé le rôle d’ambassadeur, travaillant à faire connaître le oud Ramal aux générations actuelles. Son engagement s’inscrit dans une démarche plus large : celle de la préservation des pratiques musicales traditionnelles face à l’homogénéisation culturelle et à la prédominance des formats pop et urbains.

Cette quête ne concerne pas qu’une poignée de musiciens. Elle touche à des enjeux plus larges : la transmission du savoir-faire lutherie, la formation des musiciens, la documentation de répertoires qui risquent de disparaître, et la valorisation du patrimoine immatériel africain et méditerranéen.

Des enjeux concrets pour les industries créatives africaines

Le cas du oud Ramal rappelle un défi majeur en Afrique : la préservation des patrimoines musicaux face à la modernité. En Guinée, au Sénégal, en Côte d’Ivoire, des instruments et des traditions orales font face aux mêmes risques d’oubli. La kora, la balafon, le ngoni, les rituels musicaux des terroirs sont progressivement délaissés par les jeunes générations au profit de styles importés.

Or, cette patrimonialisation peut devenir une ressource économique. Lorsqu’elle est documentée, enseignée et valorisée, la musique traditionnelle crée de l’emploi : pour les luthiers, les musiciens-professeurs, les producteurs de disques, les festivals, les institutions culturelles. Le Maroc, avec ses initiatives d’écoles de musique arabo-andalouse et ses programmes de transmission, ouvre une voie que d’autres pays africains explorent.

Un modèle à suivre

Les ambassadeurs de la musique andalouse marocaine œuvrent en France et au Maroc pour tisser des ponts entre continents. Ce type de diplomatie culturelle légitime le patrimoine auprès des institutions, des jeunes, et des mécènes potentiels. Elle montre aussi que la fierté envers ses racines musicales n’est pas une forme de nostalgie, mais un acte de création contemporain.

La vraie question pour l’Afrique n’est pas de choisir entre tradition et modernité, mais de créer les conditions pour que les deux dialoguent. Le oud Ramal, par sa rareté même, force cette conversation. En le faisant résonner dans les salles de concert marocaines, dans les festivals, dans les écoles, on redonne une voix à des siècles d’histoire. Et on offre aux jeunes musiciens une richesse sur laquelle construire, plutôt que de partir de zéro.

La prochaine étape consiste à systématiser ces efforts : former les luthers, documenter les répertoires, créer des espaces d’apprentissage accessibles, et positionner ces patrimoines comme acteurs de l’économie créative continentale. C’est à ce prix que le oud Ramal et ses frères instruments africains pourront non seulement survivre, mais prospérer.

The post Le oud Ramal, patrimoine musical marocain en quête de renaissance appeared first on Fameen News.

Deux décennies au cœur des traditions

Depuis plus de vingt ans, Maria Mulata parcourt différentes régions de Colombie pour étudier et collecter les expressions musicales de ces territoires. Ce travail de terrain — mené en parallèle avec sa carrière d’interprète — lui confère une double posture : celle d’artiste et celle de chercheuse. C’est une approche rare dans le paysage musical contemporain, où l’authenticité se proclame souvent sans véritable ancrage dans la recherche ethnographique et communautaire.

Son dernier projet, intitulé « Etérea y Terrenal » (L’Éthéré et le Terrestre), incarne cette fusion entre documentation savante et expression artistique. L’album explore les frontières entre le spirituel et le matériel, le cosmique et l’ancré dans le quotidien — une dualité qui traverse les traditions musicales colombiennes, des rituels afro-caribéens aux chants des peuples autochtones.

Une tournée européenne, une résonance universelle

Après une tournée en Europe qui vient de s’achever, Maria Mulata pose une question pertinente pour tous les créateurs du Sud : comment faire circuler les traditions locales à l’échelle internationale sans les réduire à l’exotisme ? Comment les présenter comme des contributions majeures à la connaissance musicale globale, et non comme des curiosités périphériques ?

Son approche répond à cette tension en mettant au premier plan le processus de création lui-même : elle n’isole pas les traditions dans une bulle protégée, mais les place en dialogue avec sa propre composition, en constant échange. C’est une démarche que les musiciennes et musiciens africains connaissent bien — cette nécessité de naviguer entre préservation et innovation, entre respect du patrimoine et revendication d’une voix contemporaine.

Un modèle pour les créateurs africains

L’exemple de Maria Mulata offre des leçons pertinentes pour l’Afrique. D’abord, elle montre qu’une artiste peut être à la fois créatrice et savante, que la recherche enrichit la création plutôt que de l’étouffer. Deuxièmement, elle démontre qu’une tournée internationale — loin d’être un divertissement ou une fuite — peut être un vecteur de valorisation des traditions locales, une plateforme pour faire connaître ce qu’on a eu le temps d’étudier sérieusement.

En Guinée, en Afrique de l’Ouest comme ailleurs sur le continent, les institutions culturelles, les festivals et les plateformes numériques pourraient s’inspirer de cette logique : accorder davantage d’espace aux créateurs qui combinent pratique artistique et recherche profonde, plutôt que de fragmenter ces deux mondes.

Ce qui se joue au-delà du disque

« Etérea y Terrenal » n’est pas qu’un disque : c’est une affirmation que les traditions musicales des régions périphériques — qu’elles soient colombiennes, guinéennes ou sénégalaises — méritent des années d’étude, des tournées internationales et une audience mondiale, non parce qu’elles sont « authentiques » ou « traditionnelles », mais parce qu’elles sont des créations complexes, nuancées et profondément humaines.

À mesure que les festivals et les plateformes d’Afrique de l’Ouest se développent, la question centrale devient celle-ci : où sont les créateurs africains qui osent combiner cet engagement envers le patrimoine local avec la rigueur intellectuelle d’une recherche documentée ? Et comment les soutenir pour qu’ils puissent faire ces tournées internationales sans renier d’où ils viennent ?

The post Maria Mulata : quand la musique colombienne devient un acte de recherche et de transmission appeared first on Fameen News.

Une tradition suspendue, une fierté retrouvée

Le Bukut constitue un pilier de l’identité diola. Cette cérémonie initiatique, pratiquée depuis des générations dans le sud du Sénégal et en Guinée-Bissau, marque le passage à l’âge adulte et l’entrée dans la vie sociale et spirituelle de la communauté. L’interruption de près de 46 ans dans le village de Carounate témoignait d’une fragilisation progressive des transmissions culturelles — un phénomène courant en Afrique, où l’urbanisation, l’éducation formelle occidentale et les mutations sociales ont progressivement éloigné les générations plus jeunes de leurs racines.

La décision de relancer le Bukut à Carounate reflète une prise de conscience collective : celle que la culture n’est pas un vestige du passé, mais une source vivante de cohésion, de sens et d’identité. Les anciens du village, gardiens de cette mémoire, ont porté ce projet, mobilisant la communauté pour que la transmission ne s’éteigne pas définitivement.

Un enjeu panafricain de transmission et d’intégration régionale

Cet événement intervient dans un contexte où les États ouest-africains, réunis au sein de la CEDEAO, s’interrogent sur les modalités de préservation des patrimoines immatériels. L’UNESCO reconnaît depuis longtemps les pratiques initiatiques comme éléments clés du patrimoine culturel mondial. Le renouveau du Bukut à Carounate s’inscrit ainsi dans une dynamique continentale plus large : celle de la sauvegarde des savoirs traditionnels face aux pressions de la globalisation.

La région Casamance, où se situe Oussouye, constitue un carrefour culturel majeur. Entre Sénégal et Guinée-Bissau, le peuple diola partage des traditions communes qui transcendent les frontières nationales. La relance du Bukut à Carounate peut ainsi inspirer des initiatives similaires dans les villages voisins, renforçant les liens culturels régionaux et illustrant comment l’intégration africaine passe aussi par le respect et la valorisation des cultures locales.

Les enjeux concrets de cette renaissance

Pour Carounate, cette cérémonie marque le recommencement d’un cycle social crucial. Les initiés, qui vont suivre une formation traditionnelle intégrant connaissances pratiques, valeurs morales et responsabilités communautaires, accéderont à un statut social nouveau. Ce processus transmet aussi des compétences locales : gestion des terres, pratiques agricoles durables, médiation sociale — autant de savoirs que les institutions formelles ne couvrent souvent qu’imparfaitement.

Au-delà de l’initiation elle-même, le renouveau du Bukut crée des opportunités économiques : mobilisation de ressources locales, valorisation du tourisme culturel responsable, renforcement des échanges entre villages. Ces effets multiplicateurs montrent que la préservation culturelle n’est pas antagoniste au développement, mais peut en constituer un vecteur authentique.

Un modèle pour le continent

L’exemple de Carounate offre une perspective constructive aux responsables politiques et aux acteurs du développement en Afrique. Il démontre qu’il est possible de concilier modernité et tradition, que les jeunes générations ne rejettent pas nécessairement leurs héritages quand ceux-ci sont transmis avec pertinence et fierté, et que les communautés disposent en elles-mêmes des ressources pour se régénérer culturellement.

Avec ce renouveau du Bukut, Carounate écrit une page nouvelle de son histoire — non pas en rupture avec le passé, mais en le réactivant comme source de vitalité collective.

The post Bukut diola : Carounate renaît après 46 ans de silence, une victoire pour la transmission culturelle en Afrique de l’Ouest appeared first on Fameen News.